LA entwickelte sich zu einer Welthauptstadt der Kunst. Ich hatte das Glück, Zeuge davon zu sein

Gewohnheiten sind schwer zu brechen. Ich habe vor 40 Jahren mit dem Rauchen aufgehört – am 23. April 1986 (ich zähle nicht mit). Es war eines der härtesten Dinge, die ich je getan habe.

Heute ist meine letzte Kolumne für The Times. Diese Angewohnheit besteht sogar noch länger als das Rauchen, das besonders schwer aufzugeben war, da Nikotin die Konzentration am Tastenfeld hervorragend fördert. Ich betreibe seit 45 Jahren täglichen Kunstjournalismus – 36 davon bei The Times, mit 2.195 Bylines – also werde ich gleich herausfinden, ob dieser Aufbruch auch höllisch sein wird. Ich werde nicht aufhören zu schreiben, aber die Sache mit dem täglichen Journalismus ist erledigt.

Rückblickend war die Veränderung des kulturellen Lebens von Los Angeles während meiner Karriere als Journalist außergewöhnlich. Als ich anfing, war die Größe der balkanisierten Kunstszene klein. Jetzt ist es groß. Oder sehr groß. Es wurden einige Anzeichen einer Schrumpfung gesehen – hier eine Galerieschließung, dort ein Marktrückgang –, aber es wird nie wieder klein werden. Sprawl wird normalerweise als LA-Negativ besetzt, aber für die Kunst war es gut. Die horizontale Stadt ist einfach zu groß, um vollständig gentrifiziert zu werden; Es gab immer eine andere Nachbarschaft, in der ein Künstler ein Atelier finden oder eine Galerie ein Geschäft eröffnen konnte. Und das taten sie.

Es hat auch unheimlich viel Spaß gemacht, darüber zu schreiben, und ich hätte es fast verpasst.

1982 wurde ich von der New York Times angeworben, um den zweiten Platz in ihrer einflussreichen Kunstkritikredaktion einzunehmen. Ich wollte nicht hingehen, angesichts des freizügigen Kunstgebiets von LA im Vergleich zum imperialen Manhattan. Aber für einen Journalisten ist die Rekrutierung durch die New York Times wie eine Einberufung: Sie haben keine andere Wahl, als zu gehen. Zu meinem Glück war der damalige Chefredakteur bekanntermaßen homophob, und als er erfuhr, dass ich offen schwul war, stoppte er die Anstellung sofort – gerade als mein jetziger Ehemann und ich gerade einen Wohnungsmietvertrag unterzeichnen wollten.

„Es ist mir egal, ob du mit Elefanten schläfst, aber wenn du es tust, wirst du nicht für die New York Times über den Zirkus berichten“, meinte der unglückliche Redakteur, was seiner Meinung nach eher eine edle Äußerung beruflichen Scharfsinns als protziger Bigotterie war. Für mich in Ordnung. Ich habe gerne einen Zirkus in LA gesehen

Heute gehört Los Angeles fest zu den wenigen bedeutendsten Produzenten neuer Kunst weltweit. Dafür waren mindestens drei wichtige Faktoren verantwortlich.

Zuallererst explodierte der Talentpool.

Künstler sind immer die Treiber. Seit den 1950er Jahren haben Schlüsselfiguren wichtige Genres ins Leben gerufen, darunter auch die kantige abstrakte Malerei John McLaughlinVorbote der Wahrnehmungskunst von Licht und Raum, und Assemblage-Meister Wallace Berman. In den 60er und 70er Jahren überholte eine Liste bedeutender Künstler, deren Auflistung hier zu lang ist, die prominenten Kunstszenen in San Francisco und dann in Chicago, Amerikas sogenannter „zweiter Stadt“ für Kunst. Aber es waren die 80er und 90er Jahre, in denen die Kunst in der reichen demografischen Vielfalt von LA eine wirklich atemberaubende Expansion erlebte

Was ist passiert?

Junge Künstler, die aus den zahlreichen Kunstschulen Südkaliforniens hervorgingen, entschieden sich massenhaft, hierbleiben. New York? Warum dorthin ziehen?

Der übliche Talentabfluss in den Osten verlangsamte sich, teilweise dank der außerordentlich Begabten Mike Kelley. Künstler wissen immer, wer aus ihrer Kohorte der Beste ist, und selbst als Student an der Cal Arts, wo Kelley 1978 seinen Abschluss machte, hatte er diese einflussreiche Position inne. Nach seinem Abschluss beschloss er, sich dem üblichen Trend zu widersetzen und in der Stadt zu bleiben. Die Leute haben es bemerkt.

Ich war verblüfft, als Kelley 1992 auf einem Symposium in Wien auf einer Podiumsdiskussion vorgestellt wurde. Die Begrüßung war eines Rockstars würdig. So etwas hatte ich noch nie gesehen.

Die Kunstwelt hatte sich internationalisiert, was maßgeblich durch das Aufkommen eines rasanten Kunstmarktes in den 80er-Jahren – einer Blase, die bald platzen und dann wieder aufleben sollte – und durch die brillante Rückkehr deutscher Künstler in die Prominenz vorangetrieben wurde. Kelley war kaum der einzige Amerikaner, der davon profitierte, aber er war der erste Künstler in LA, dessen wachsender Ruf – lokal, dann national und schließlich international – völlig mit der wachsenden Reife und Resonanz seiner außergewöhnlichen Kunst übereinstimmte.

Zweitens: das Getty. Ich kenne keine andere Stadt, deren Aufstieg zu internationaler Bedeutung sich auf einen genauen Tag zurückführen lässt – in diesem Fall auf den 28. Februar 1982.

Zu diesem Zeitpunkt kam die Nachricht, dass der verstorbene amerikanische Ölmilliardär J. Paul Getty, der damals regelmäßig als reichster Mensch der Welt bezeichnet wurde, 1,2 Milliarden US-Dollar an sein eigenartiges Eitelkeitsmuseum in Pacific Palisades hinterlassen hatte. Nach sechs Jahren kontroverser Rechtsstreitigkeiten hatten sich frühere Schätzungen des möglichen Gewinns fast verdoppelt. Ein kleiner, zweitklassiger Kunstaußenposten mit Blick auf den Pazifik war plötzlich das reichhaltigste Museum der Welt.

Heute beträgt die Stiftungssumme mehr als 9,45 Milliarden US-Dollar. Kulturell ist es nicht gerade die unvermeidliche Ausgabe riesiger Geldbeträge, die den Unterschied ausmacht. Stattdessen hat die schlichte Tatsache der massiven Medienfaszination für ein kunstbezogenes Thema in Los Angeles den Ausschlag gegeben.

Sicher, die internationale Presse war jahrzehntelang auf die Stadt fixiert, aber der Schwerpunkt lag auf der Hollywood-Popkultur – Filmen, Fernsehen, Musik. Im Laufe des Jahres 1982 spürte man fast, wie sich jede Nachrichtenkamera rund um den Globus auf LA richtete. Zum ersten Mal wurde die Kunstkultur, nicht die Populärkultur, zum Ziel dauerhafter Medienaufmerksamkeit.

Das hatte es noch nie zuvor gegeben, abgesehen von einem besonderen Ereignis wie der Ankunft von Gainsboroughs berühmtem „The Blue Boy“ im Jahr 1922, als das damals teuerste Gemälde der Welt in Henry E. Huntingtons San Marino-Villa ging, oder dem Beinahe-Abriss von Sabato Rodias unvergleichlichem Gemälde im Jahr 1959 Watts Towers. Seit den Getty-Nachrichten ist die internationale Aufmerksamkeit für die Kunst jedoch gefestigt.

Die dritte Transformation: Eine bahnbrechende Kunstinstitution eröffnet. Künstler hatten 1979 die Idee für ein Museum für zeitgenössische Kunst und spornten die wohlhabenden und einflussreichen Mächte zum Handeln an. MOCA feierte 1983 sein öffentliches Debüt. Es verlief nicht ohne Schwierigkeiten – weder zu Beginn noch im Laufe seiner 46-jährigen Achterbahngeschichte. Aber ein kühnes Museum, dessen Ziel es ist, die Kunst unserer Zeit zu präsentieren, zu sammeln, zu bewahren und zu interpretieren, wie es in seinem Leitbild heißt, setzt einen Standard, der im ganzen Land und im Ausland nachgeahmt wird.

Von der adaptiven Wiederverwendung eines Gebäudes aus der Industriezeit in Little Tokyo für das „Temporary Contemporary“ – das sofort zur Vorlage für unzählige andere neue Museen wurde, vom MCA Australia in Sydney bis zur Tate Modern in London – bis hin zu einer Reihe wegweisender Ausstellungen, die seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs keine Angst davor hatten, sich mit der verworrenen zeitgenössischen Kunstgeschichte auf internationaler Ebene auseinanderzusetzen, entwickelte sich das MOCA zur am meisten diskutierten Institution ihrer Art in Amerika. Im Jahr 1992 wurde das Wahrzeichen „Helter Skelter: LA-Kunst in den 90ern„Wir blickten nach vorn und nicht zurück und erfanden Geschichte. Die belebende künstlerische Produktion der Stadt wurde auf die Landkarte gesetzt.

Künstler, Massenmedien, Infrastruktur – es war außergewöhnlich, den blühenden Dreiklang dabei zu beobachten.

Kunst ist eine mysteriöse Erfahrung, deren Auslöser ein Objekt oder ein Ereignis ist. Und weil Kunst Erfahrung ist, ist es wichtig, dass Sie bereit sind, Ihre Meinung zu ändern, während sich Ihre Erfahrung entfaltet. Bei der Kunstkritik geht es um das Schreiben, eine grundlegende Möglichkeit, dieses Mysterium zu verarbeiten, mit dem Ziel, etwas zumindest vorübergehend Verständliches zu entdecken. Die Aufgabe des Schreibens für eine Zeitung besteht darin, Wege zu finden, einen Leser, egal ob Spezialist oder Generalist, in diesen Entdeckungsprozess einzuladen – und das alles im Wissen, dass es irgendwo in der riesigen unsichtbaren Leserschaft jemanden gibt, der verdammt viel mehr über das Thema weiß als ich.

Alle paar Jahre scheint es nun eine große Sorge vor einer „Krise der Kritik“ zu geben. Ich denke jedoch, dass diese Aufregung ihr Ziel verfehlt. Die Krise liegt im Verlagswesen, nicht in der Kritik.

Es gibt verschiedene Arten der Kunstkritik – theoretische und akademische, zwei, die in unterschiedlichen Fachzeitschriften auftauchen; Handel, gesponsert in kommerziell unterstützten Zeitschriften; und journalistisch, eingebettet in die Alltagsberichterstattung der Presse. Charles Baudelaire, Dichter des 19. Jahrhunderts, war der erste große Praktiker der journalistischen Kritik. Sein Klassiker „Der Maler des modernen Lebens“, der sich für die Überwindung der sklerotischen Monotonie der Kunst einsetzt, erschien in drei äußerst einflussreichen Ausgaben der Pariser Zeitung Le Figaro.

Sowohl die kommerzielle als auch die journalistische Kunstkritik haben ihre Wurzeln in den Massenmedien und sind nun bedroht, da ihre Plattformen schrumpfen und verschwinden. Die Times beschäftigt seit hundert Jahren einen Kunstkritiker, seit der Ernennung des britischen Einwanderers und Malers Arthur Millier im Jahr 1926, der 32 Jahre lang auf diesen Seiten schrieb. Die modernen amerikanischen Massenmedien boomten in den 1920er Jahren – insbesondere zusammen mit Hollywood. Die aktuelle Krise im Verlagswesen (und in Hollywood) ist eine Folge der chaotischen digitalen Revolution der vorherigen Generation, die die alte „Masse“ der Medien zersplitterte.

Zur Kritik: Streaming-Schnipsel werden mittlerweile in einem fragmentarischen Ansturm der sozialen Medien mitgetragen und verdrängen das analoge Schreiben und Lesen. Allzu oft bleiben die Daumen hoch oder runter an ihrer Stelle. Wohin das alles führt, bleibt unklar, genau wie vor einem halben Jahrtausend, zu Beginn der Gutenberg-Revolution des Buchdrucks.

Der Wandel von L.A. wird möglicherweise am deutlichsten an zwei Veranstaltungen sichtbar, die für nächstes Jahr geplant sind, wenn die Geffen Galleries im Los Angeles County Museum of Art und das neue Lucas Museum of Narrative Art eröffnet werden. Die meiste Aufmerksamkeit galt bisher ihrer ungewöhnlichen Architektur, die mit Sicherheit Menschenmassen anzieht. Aber ich bin dabei aufzeichnen ebenso skeptisch gegenüber ihren geplanten Programmen. LACMA plant kuratorenlastige thematische Installationen seiner ständigen Sammlungen, verfügt jedoch nicht über die Tiefe, um mehr als Art History Lite zu präsentieren. Mittlerweile ist die Lucas Die Idee verwechselt Kunstkultur mit Populärkultur und preist illustriertes Geschichtenerzählen auf bizarre Weise als „Kunst des Volkes“ an. Als einer dieser Menschen widerspreche ich.

Dennoch summieren sich diese touristischen Projekte zum Debüt in LA und bringen mehr als 2 Milliarden US-Dollar an neuer Kunstmuseumsinfrastruktur mit sich. Erstaunlich.

Als ich 1980 anfing, hätte ich so etwas nicht für möglich gehalten. Aber sie stehen auf einem berauschenden Fundament. Ich freue mich darauf, sie zu sehen.

Und wir hoffen, dass wir auch einige kritische Kritik zu diesem Thema lesen werden.