Filme können durch die Magie eines einzelnen Bildes, dieser gefeierten „einen perfekten Aufnahme“, die alles davor und danach beleuchtet, für immer unvergesslich werden. The Envelope hat die Regisseure von fünf preisgekrönten Dokumentarfilmen gebeten, über die Aufnahme zu sprechen, ohne die ihr Film nicht leben könnte.
„Apokalypse in den Tropen“
Direktor Fortsetzung von Petra Costa zu „The Edge of Democracy“ (ein Oscar-Nominierter 2020) untersucht die starke Rolle des evangelischen Christentums in der brasilianischen Politik und den Aufstieg des rechtsextremen ehemaligen Präsidenten Jair Bolsonaro.
„Ich habe mich für die Aufnahme der Statue der Gerechtigkeit entschieden, enthauptet und auf dem Kopf stehend“, beschreibt Costa eine Szene vor dem Obersten Bundesgericht in Brasilia, nachdem Bolsonaros Anhänger am 8. Januar 2023 den Regierungssitz des Landes geplündert hatten. „(Sie) symbolisiert einen Großteil dieser Geschichte auf vielen Ebenen. Dieser Film verwendet Brasilien letztendlich als Metapher für die aktuellen Krisen unserer Demokratien weltweit. Dieses Bild symbolisiert nicht nur, wie gewalttätig Sprache ist.“ Gewalttätige Rede führt zu gewalttätigem Handeln, und das war es, was Bolsonaro an die Macht brachte.“
„Volksmärchen“
„Folktales“ von Rachel Grady und Heidi Ewing
(Magnolienbilder)
Regisseurinnen Heidi Ewing und Rachel Grady (Oscar-Nominierte 2007 für „Jesus Camp“) einer Gruppe Jugendlicher folgen ein Jahr lang an einer traditionellen norwegischen Volkshochschule.
„Das erste Mal, dass man den Baum des Lebens im Film sieht“, sagt Ewing und beschreibt ein symbolträchtiges Bild in der Geschichte, „ist es von unten aufgenommen. Es ist ein Weitwinkelobjektiv und ähnelt fast einer Kreatur. Ich nenne ihn den Baum von Guillermo del Toro, weil er knorrig und tot ist, aber er ist alles. Er ist atemberaubend und es gab keinen anderen Baum wie ihn im Wald. Er inspirierte die gesamte Ebene des Films, die zum Mythos von Odin und der Verwendung der nordischen Sprache wurde.“ Mythologie als Metapher für das Erwachsenwerden, und wir nutzen den Baum als unser Herzstück.“
„Raubtiere“
Regisseur David Osit („Major“) packt das komplexe und verstörende Erbe aus des TV-Exposés „To Catch a Predator“, das Mitte der Achtzigerjahre zu einem Phänomen der Popkultur wurde.
„Bei einem großen Teil meines Films geht es um das Betrachten von Bildern, und ein Teil davon war, dass ich Bilder betrachtete … und wirklich nur dachte: Der einzige Weg, wie ich diesen Film machen kann, besteht darin, dass ich jemandem die Erfahrung geben muss, die ich habe, den Film mache und Material ansehe. Es gab also ein Bild, das ich gefilmt habe, aber es bedeutete mir nichts, bis ich es sah. Und das ist das Bild, das ich ausgewählt habe. Es gibt diesen Moment im Film, in dem ich Dan Schrack interviewe, der einer von ihnen ist Lockvögel, die in das Geschehen in Texas verwickelt waren. (Der Protagonist der verdeckten Operation hat sich das Leben gekostet, was zur Absage der Show geführt hat.) Ich lasse ihn mir ein paar Bilder ansehen, und während der Dreharbeiten habe ich nicht bemerkt, dass mein Spiegelbild perfekt in einem kleinen Spiegel platziert war. Unmittelbar danach verspürte ich ein tieferes Verständnis … dass ich mich aus diesem Film nicht zurückziehen konnte. Es war nicht meine Absicht, dabei zu sein, aber in den meisten Fällen kastrieren Dokumentarfilme ihre Schöpfungsakte und machen sie unsichtbar. Und jedes Mal, wenn ich versuchte, diesen Film zu drehen, passierte das Gegenteil. Meine Identität, meine Beweggründe, meine Interessen setzten sich immer wieder durch, und dieser Schuss war es. Das war die Einstellung, bei der mir klar wurde, worum es in dem Film geht.“
‚Samen‘
Carlie Williams in „Seeds“.
(Brittany Shyne)
Brittany Shynes Debütfilm wurde in Schwarzweiß gedreht und erkundet das Leben und die Herausforderungen schwarzer Bauern in Südgeorgien.
„Die Szene, zu der ich immer wieder zurückkehre, ist die mit Carlie Williams, der 89-jährigen Farmerin“, sagt Shyne. „Es ist ein Moment, in dem wir in seinem Haus sind und er von seinem Stuhl aufsteht und hinübergeht, um sich um seine Tochter Lois zu kümmern. Ich mag diesen Moment wirklich, weil wir einen Vater sehen können, der sich völlig seinem Kind widmet und dafür sorgt, dass es ihm gesundheitlich gut geht. Ich liebe diesen Moment der Zärtlichkeit, denn das ist etwas, was ich im gesamten Film versuche, diese Art von familiärer Fürsorge, die wir zwischen den Generationen sehen.“
„Die Geschichte von Silyan“
(National Geographic Dokumentarfilme)
Der mazedonische Film der für den Oscar 2020 nominierten Tamara Kotevska („Honeyland“) ist die Geschichte von Nicola, der nach dem Einsturz seiner Familienfarm einen verletzten Storch von einer Mülldeponie rettet.
„Der Moment, in dem Nicola den Storch fängt“, sagt Kotevska. „Es hat den Verlauf des Films und die Geschichte selbst völlig verändert. Wir dachten, dass es eher eine traurige Geschichte werden würde, aber am Ende wurde es eher eine hoffnungsvolle Geschichte – keine glückliche, sondern eine hoffnungsvolle. Es wurde schließlich eine Geschichte von einem Mann, der einen Storch rettet, und von einem Storch, der einen Mann rettet.“
