Vom Feuer verwüstete Angelenos dominieren die New Yorker Whitney Biennale

„Wir sind am 7. Januar evakuiert worden und nie wieder zurückgekehrt“, erzählt mir die Künstlerin Teresa Baker, als wir uns treffen, um über die Arbeit zu sprechen, die sie für die diesjährige Whitney Biennale gemacht hat, die zu den einflussreichsten Ausstellungen zeitgenössischer amerikanischer Kunst im Land zählt.

Die diesjährige Biennale wird alle zwei Jahre vom Whitney Museum of American Art in New York veranstaltet und präsentiert 56 Künstler und Kollektive, von denen etwa jeder sechste seit der letzten Umfrage der Umfrage in Los Angeles gelebt und gearbeitet hat. Aufgrund der Massenvernichtung durch die Brände in LA im vergangenen Januar war diese Zeit alles andere als normal, und wie Baker haben viele teilnehmende Künstler Zeit damit verbracht, sich zu erholen oder wieder aufzubauen.

Baker, ihr Mann und ihre drei kleinen Kinder – alle unter fünf Jahren – sind im letzten Jahr fünfmal umgezogen. Zuerst nach San Diego, dann nach San Francisco und New York City und schließlich zweimal innerhalb von Montana, einem Bundesstaat, den Baker seit seiner Kindheit kennt.

Bakers indigenes und deutsches Erbe prägen ihre drei großen abstrakten Collagenbehänge, die aus Kunstrasen mit Acrylfarbe, Garn und einer Vielzahl natürlicher Materialien, darunter Maishülsen, Weiden, Büffelleder und Wildleder, hergestellt wurden. Sie sind unbestreitbar malerisch. Die Stücke, sagt Baker, seien „in einer turbulenten Zeit, einer Zeit des Übergangs“ entstanden.

Die Pracht der Natur, „die ganz großen, grandiosen Gesten“ der Landschaft Montanas prägen Bakers Kunst seit ihrer Flucht aus LA. Nachdem sie in ihrem neuen Heimstudio gearbeitet hat, staunt Baker über die Schönheit der Dämmerung – die Tiefe von Orange und Blau –, während sie fährt, um ihre Kinder von der Schule abzuholen.

„Ich denke, was ich gerade erlebe und was mir aufgrund der Intensität des letzten Jahres vielleicht besonders bewusst ist, ist Ehrfurcht“, sagt sie. „Es ist so einfach, aber ich denke, das ist es, was mir diese Landschaft vermittelt: ständige Ehrfurcht inmitten einer wirklich deprimierenden Welt und eines harten Jahres für die Familie.“

Der Abschied von L.A. fiel ihr schwer, vor allem wegen der unterstützenden Künstlergemeinschaft, die sie pflegte, aber „angesichts all der wissenschaftlichen Ungewissheiten nach dem Brand“, erklärt Baker, „haben wir beschlossen, das Land zu verlassen, um die Sicherheit unserer kleinen Kinder zu gewährleisten.“

Durch ihre Rückkehr nach Montana hat sich Baker einer anderen LA-Künstlerin angeschlossen: Andrea Fraser. Fraser wurde in Montana geboren und sagt, sie betrachte sich als „westliche Person“, obwohl sie 25 Jahre in New York gelebt habe.

„Sie unterscheidet sich stark von der Kultur der Ostküste, die viel stärker europäisch beeinflusst und viel intellektueller ist“, sagt Fraser.

Andrea Fraser, Ohne Titel „(Object) IV“, 2024 (Detail). Mikrokristallines Wachs, Aluminium- und Stahlarmaturen, 5 7/8 × 35 3/8 × 15 3/4 Zoll (14,9 × 89,9 × 40 cm). Sammlung des Künstlers. © Andrea Fraser. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, Marian Goodman Gallery und Nagel Draxler Gallery.

(Rebecca Fanuele)

Fraser gehört zu den erfahrensten Teilnehmern dieser Biennale und war bereits 1993 und 2012 dabei. Ihr Beitrag – fünf modellierte mikrokristalline Wachsskulpturen schlafender Kleinkinder – erscheint neben drei Gemälden aus den 1960er Jahren ihrer Mutter Carmen de Monteflores, die heute 92 Jahre alt ist.

Fraser denkt über ihre Rückkehr zur Bildhauerei nach mehreren Jahrzehnten als gefeierte Performance- und Konzeptkünstlerin nach und stellt fest, dass die LA-Künstler der diesjährigen Biennale durch die Schnittstelle von Konzeptkunst und Handwerk vereint sind.

„Mindestens einmal im Jahr gehe ich in die Keramikstudios der UCLA und werfe ein Dutzend Töpfe“, sagt sie und merkt an, dass sie in diesem Prozess ziemlich gut ist.

„Meine Garage war eine Zeit lang sozusagen meine Holzwerkstatt. Ich habe meinen Schreibtisch gemacht, ich habe den Schreibtisch, den Schrank und die Regale meines Partners gemacht. Ich habe ziemlich viel davon gemacht, aber dann habe ich meine Garage in mein Heim-Fitnessstudio verwandelt, eine andere Art von Bildhauerei“, sagt sie lachend. „Sehr Los Angeles.“

Installationsansicht der Whitney Biennale 2026. Hyundai Terrace Commission Kelly Akashi 2026. „Monument (Altadena).“

(Timothy Schenck)

Eine weitere in LA lebende Künstlerin, Kelly Akashi, die ihr Zuhause und Atelier in Altadena verloren hat, hat „Monument (Altadena)“ errichtet.” ein Glaskamin auf der Außenterrasse des Whitney. Inspiriert von der Ziegelsteinversion, die auf dem Gelände ihres ehemaligen Zuhauses zurückgelassen wurde, stellt es eine feierliche Ikone dar und spiegelt Hunderte anderer schlanker Überlebender wider, die noch immer die Brandnarben im LA-Gebiet prägen, sowie die vielen Wolkenkratzer Manhattans, die es jetzt umrahmen.

Der Schornstein, sagt Akashi, sei „eine Art unruhiger Gegenstand. Er funktioniert nur bei einem Zuhause.“ Sobald Sie einen Schornstein bauen, der für sich allein steht, „signalisiert er immer die Abwesenheit.“

Die Bildhauerin Sula Bermudez-Silverman – die wie Akashi oft mit Glas arbeitet – hat im Zusammenhang mit den durch die Brände in LA verursachten Verlusten auch über ihr Zuhause nachgedacht.

Der Katalog der Biennale zeigt Bermudez-Silverman im Gespräch mit ihrem Vater, dem Psychoanalytiker George Bermúdez, und darin sagt Bermudez-Silverman, dass der Brand von Eaton in Altadena „für mich ein großer Katalysator war, um meine eigene Beziehung zu materiellen Dingen und auch zu den umfassenderen Auswirkungen des Konsums zu überdenken, was mich dazu gebracht hat, minimalistischer zu leben.“

Der im Irak geborene und in Los Angeles lebende Künstler Ali Eyal steht in seinem Heimstudio vor seinem Werk. Eyal ist Teil der diesjährigen Whitney Biennale in New York City – einer Ausstellung, die viele Künstler präsentiert, die in LA gelebt und gearbeitet haben

(Carlin Stiehl / For The Times)

Der in LA lebende irakische Maler Ali Eyal, der 2017 sein Heimatland verließ, erlebte die Brände durch das Prisma seiner turbulenten Jugend. „Als ich diesen schwarzen Rauch sah, fühlte ich mich in die Kriegszeit zurückversetzt, es kam mir vor wie ein Kriegsgebiet“, erklärte er.

„LA erinnert mich an meine Kindheit. Ich weiß nicht warum“, sinnierte Eyal und fügte hinzu, dass das Licht der Sonne einer der spürbarsten Durchgangslinien sei, der herausfordernde Erinnerungen hervorrufe, aber auch die Freude an der Gegenwart bekräftige.

Installationsansicht der Whitney Biennale 2026. Ali Eyal, „Look Where I Took You“, 2026.

(Jason Lowrie / BFA.com)

„Der Sonnenuntergang ist eine schwierige Zeit für mich, weil mir während des Sonnenuntergangs all die Gewalt widerfahren ist“, erklärte Eyal. „Aber in LA ist der Sonnenuntergang anders, das Lila, das Orange, all diese Farben zusammen.“

Während im Osten immer dieselbe Sonne aufgeht und im Westen untergeht, bekräftigen die Arbeiten dieser Künstler, dass es uns gehört, jeden neuen Tag neu zu gestalten – egal, welche Sorgen hinter uns liegen.