Elsa Schiaparelli Ich habe schon lange vor der Erfindung des Internets verstanden, was es bedeutet, viral zu gehen. Im Laufe ihrer Karriere nutzte die italienische Couturierin Schock, Humor und Berühmtheit, um ihr Haus zu stärken.
Schiaparelli umbenannt in leuchtendes Pink in „schockierend!“ und beanspruchte ihn als ihren charakteristischen Farbton, verwandelte einen Schuh in einen witzigen Hut und kleidete die Herzogin von Windsor, Wallis Simpson, in ein Hummerkleid, das in Zusammenarbeit mit ihr kreiert wurde Salvador Dali. Die Achse Kunst/Mode/Berühmtheit ist seitdem zu einem vertrauten Element des Luxusmarken-Playbooks geworden, aber 1937 war Schiaparelli, der Jean Cocteau, Pablo Picasso, Man Ray, Leonor Fini und Dalí zu seinen Freunden zählte, der Pionier.
Von ihren Zeitgenossen Coco Chanels Leben und Stil ist bekannter und Christian DiorDie Silhouetten von Elsa sind erkennbarer, aber Elsa Schiaparelli könnte von sich behaupten, die vorausschauendste Modedesignerin des 20. Jahrhunderts zu sein. Hundert Jahre nach der Gründung ihres Labels scheint ihre Fähigkeit, sich mit der Kultur (sowohl populärer als auch hoher Kultur) zu verbinden, verblüffend aktuell zu sein.
„Sie führte ein außergewöhnliches Leben“, sagt sie Sonett Stanfillder leitende Modekurator am V&Adas bald Gastgeber sein wird Schiaparelli: Mode wird zur Kunsteine große Ausstellung, die die Geschichte des Hauses von seinen Anfängen in den 1920er Jahren bis heute unter dem jetzigen Besitzer erzählt Tod’s‚ Diego Della Valle und die kreative Leitung von Daniel Roseberry. „Elsa Schiaparelli war eine Störerin und Regelbrecherin. Sie war eine starke Frau, eine Unternehmerin. All diese Elemente vereinen sich zu einer Figur, die immer noch unglaublich faszinierend ist“, sagt Stanfill.
Elsa Schiaparelli würde niemals auf ihrer Spur bleiben. Geboren in eine aristokratische römische Familie und aufgewachsen im prächtigen Corsini-PalastVon ihr wurde erwartet, dass sie gut heiratet und eine Familie hat, aber Schiaparelli war impulsiv und schätzte ihre Freiheit. Als Kind ließ sie einmal auf einer Party eine Schachtel Flöhe frei, weil die Erwachsenen sie nicht teilnehmen ließen, und wurde 1911 in ein Kloster geschickt, nachdem ihre Eltern auf ihre sinnlichen Gedichte aufmerksam geworden waren. Sie verließ Rom 1913 und nahm einen Job als Kindermädchen in London an, um der Heirat mit einem russischen Aristokraten zu entgehen. Dort traf sie einen polnisch-schweizerischen Dozenten für spirituelle Mystik, Willem de Wendt, und sie verlobten sich am nächsten Tag und heirateten kurz darauf. Sie zogen nach Nizza und dann nach New York, doch 1922 war Schiaparelli in Paris angekommen, trennte sich von ihrem Mann und zog ihre zweijährige Tochter alleine groß.
Sie interessierte sich für kreative Kreise und freundete sich mit surrealistischen Künstlern und Designern an – sie war der legendäre Couturier Paul Poiret der ihr riet, in die Mode zu gehen, nachdem sie ihren persönlichen Stil bewundert hatte. Sie folgte seinem Rat und brachte eine Reihe von auf den Markt Trompe l’oeil „Bogen“-Strickwaren im Jahr 1927, die sofort ein Erfolg waren. Als Liebhaberin von Neuheiten und Innovationen expandierte sie schnell in andere Kategorien und brachte stets einen experimentellen Flair und eine mutige Herangehensweise in ihre Designs ein. 1928 brachte sie eine innovative Skibekleidungslinie heraus, die sie wiederum dazu inspirierte, sichtbare Reißverschlüsse als Merkmal ihrer Couture zu verwenden, wo sie auch für die Verwendung von Zellophan und sogar gestrickten Glasfasern bekannt war. „Sie hatte keine Angst davor, neue und experimentelle Fasern zu verwenden. In einer Kollektion sprach sie über einen wasserdichten Tweed“, sagt Stanfill. Bis 1933 expandierte Schiaparelli in die Bereiche Schmuck, Haute Couture und Düfte und beschäftigte 400 Mitarbeiter. Zwei Jahre später eröffnete sie ein neues Atelier Place Vendômedie prestigeträchtigste Adresse in Paris.
„Es ist das Ergebnis einer sehr starken Persönlichkeit“, sagt Stanfill über Schiaparellis Werdegang. „Sie hat ihren eigenen Weg in einer Welt gefunden, die ihr als Italienerin hätte verschlossen bleiben sollen, (da sie damals noch keine Modeausbildung hatte) und kämpfte sich bis zum schlagenden Herzen der Couture durch. Sie tat es zu ihren eigenen Bedingungen. Das ist ziemlich inspirierend.“
In vielerlei Hinsicht war Schiaparelli die Blaupause für die Kreativdirektorin der modernen Mode, da sie eine Reihe bahnbrechender kreativer Kooperationen inszenierte. Das Kräfteverhältnis sei wichtig, sagt Stanfill. „Sie nahm nicht einfach Motive und Bilder von Surrealisten oder Künstlern und klebte sie auf ihre Kleidung. Sie arbeitete mit ihnen zusammen und ermutigte sie, zusammenzuarbeiten und mit ihr zusammenzuarbeiten, um diese Angebote zu schaffen.“ Stanfill sagt: „In den späten 1930er Jahren befand sich Schiaparelli absolut am Knotenpunkt der Kreativität und arbeitete mit einigen der bedeutendsten Künstler der Zeit zusammen.“
Ihre zahlreichen Kooperationen mit Künstlern stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, darunter eine von 1937 Jean Cocteau Auf eine Jacke gestickte Zeichnung mit einer herrlichen Kaskade goldener Perlen für die Haare. Die Surrealisten hatten, vielleicht mehr als jede andere Kunstrichtung, eine besondere Faszination für Mode. „Sie betrachteten Kleidung als einen einzigartigen Bereich der Aneignung“, sagt Stanfill. „Für die Surrealisten war Kleidung oft erotisch. Für Dalí war der Schuh eine Art erotisches Anhängsel des weiblichen Beins.“ Zu Schiaparellis Kooperationen mit Salvador Dalí gehört das berühmte Hummerkleid, das ein Jahr vor Dalís präsentiert wurde Hummertelefon. Ebenfalls in der Ausstellung ist das makabere, aber wunderschöne Skelettkleid von 1938; Seine mit einer Trapunto-Stepptechnik hergestellten Knochen sollen den Zweiten Weltkrieg ahnen lassen. Ebenfalls zu sehen sein wird das von Dalí entworfene Tränenkleid, ebenfalls aus dem Jahr 1938, mit seinem auffälligen A Trompe l’oeil Motiv aus zerrissenen Fleischstreifen, das oft als Vorläufer der Distressed-Punk-Ästhetik zitiert wird.
Schiaparelli brachte die Mode in den Mittelpunkt der Hochkultur und umgekehrt. Um die Geschichte ihrer Begegnung mit so vielen zeitgenössischen Kreativen zu erzählen, arbeitete Stanfill mit drei anderen V&A-Kuratoren an der Ausstellung: Rosalind McKeverKurator für Gemälde und Zeichnungen; Simon Sladenein leitender Kurator für Theater und Performance; Und Lydia Castonein Fotokurator. Auch die Kleidung stammt von Gemälden Picasso Und Man RaySchmuck von Jean Schlumberger sowie Film und Audio. „Sie war eine Designerin, die gegen die Regeln verstieß und ihre Kunden dazu ermutigte, sich auf eine Art und Weise zu kleiden, die damals ziemlich provokativ war. Sie wollte, dass die Leute zweimal hinschauten, was sie trugen“, sagt Stanfill. „Die Kleidung allein wäre eine außergewöhnliche Ausstellung, aber wenn man diese anderen Elemente hinzufügt, die die ganze Geschichte erzählen, erhält man eine viel tiefere Wertschätzung und ein viel tieferes Verständnis dafür, was für eine unglaubliche kreative Frau sie war.“
„Was mich anzieht, ist die Konnektivität von Elsas Arbeit“, sagt Schiaparellis Kreativdirektor Daniel Roseberry. „Sie hat sich auf eine Art und Weise mit der Gesellschaft verbunden, wie selbst Coco Chanel, Jeanne Lanvin oder Cristóbal Balenciaga hat es nie getan. Damals gab es eine Distanz zwischen der Kultur und den meisten französischen Couture-Häusern. Elsas Fokus lag nicht nur auf gutem Geschmack, Lebensstil oder gar Schönheit, er war mehr intellektuell. Es ging darum, wie der Ausdruck des Surrealen eine innigere Verbindung zwischen Kunst, Popkultur und Mode sowie zwischen Designer und Kunde schaffen kann.“
Für Roseberry, der dem Haus im Jahr 2019 beigetreten ist, ermöglicht ihm diese bevorstehende Ausstellung, seine komplexe Beziehung zur Geschichte des Hauses weiterzuentwickeln. „Ich habe versucht, einen wirklich lockeren Umgang mit den Archiven aufrechtzuerhalten. Je höher der Einsatz, desto lockerer der Umgang“, sagt er. „Zu Beginn meiner Reise in Schiaparelli hatte ich definitiv kein Interesse daran, in die Archive zu gehen. Ich sagte: ‚Keine Lippen, keine Hände, keine Hummer.‘ Und es ist eine Ehre des Hauses, dass sie mich das tun ließen. Sie ließen mich zu meinen eigenen Bedingungen herein, bevor sie beschlossen, dass ich auf natürliche und organische Weise wieder in die Archive eintreten wollte. Aber auch hier gibt es eine mysteriöse Chemie, die zwischen einem Designer und den Quellcodes eines Hauses entsteht. Du kannst es nicht überstürzen. Es gibt keine Formel. Es ist wirklich eine Bauchintuition. Und es geht darum, das Haus als Spiegel seiner selbst zu sehen.“
Der in Texas geborene Designer, der dem Haus beitrat Thom Brownehat eine einzigartige Verbindung von Pariser Haute Couture und amerikanischer Popkultur in das Haus gebracht. Als vollendeter Geschichtenerzähler und Schausteller sind viele seiner viralsten Stücke in der Ausstellung zu sehen, darunter das „Lungen“-Kleid von 2021 Bella Hadid zum Filmfestspiele von Cannes und die aufsteigende Fantasie seines anthropomorphen Steinadlerumhangs von ihm Couture-Kollektion AW24.
Roseberry denkt über die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen ihm und Schiaparelli nach und bemerkt ihren Witz. „Ich glaube, kein anderer Couturier war so lustig wie Elsa, und das kam in ihrer Arbeit zum Ausdruck. Sie hatte einen großen Sinn für Humor, Verspieltheit und eine Verbindung zur Popkultur außerhalb der Pariser Couture-House-Kultur, die für sie einzigartig war“, sagt er. Eine Sache, die er jedoch nicht wiederholen möchte, ist ihre Beziehung zu Künstlern. „Als ich anfing, fragten die Leute, wann die erste Zusammenarbeit mit einem Künstler stattfinden würde. Wer wäre der Salvador Dalí-Kontrapunkt zu meinem Schiaparelli? Und ich dachte, Elsa ist die Zusammenarbeit, ich arbeite mit ihr zusammen! Es ging nicht darum, die Autorität des Hauses mit neuen externen Mitarbeitern wiederherzustellen. So fühle ich mich immer noch.“
Stanfill glaubt, dass Roseberry ein wichtiges Kapitel in der Geschichte des Hauses schreibt und ist, genau wie Elsa vor ihm, auf einzigartige Weise auf seinen Moment eingestellt. „Ich denke, dass er mit keinem anderen Designer zu vergleichen ist. Er fängt die Aufmerksamkeitsökonomie ein. Aber gleichzeitig ist er von einem amerikanischen Modehaus, das für Herrenmode gegründet wurde, gewechselt und hat sich – ein bisschen wie Elsa – als Außenseiter in Paris wiedergefunden, im Zentrum einer Marke mit Haute-Couture-Tradition. Und das allein spricht von einem riesigen und beeindruckenden Talent. Kombiniert mit der Qualität dessen, was über den Laufsteg geht, und der Bandbreite an Materialien, Silhouetten und Farben, denke ich, dass wir über Daniel Roseberry sprechen werden.“ künftige Generationen.“
„Schiaparelli: Fashion Becomes Art“ läuft vom 28. März bis 8. November im V&A, South Kensington. 10 Magazine Ausgabe 76 – KREATIVITÄT, VERÄNDERUNG, FREIHEIT – ist am 18. März am Kiosk erhältlich. Bestellen Sie Ihr Exemplar vor Hier.
SCHIAPARELLI: MODE WIRD KUNST
Fotograf ROB RUSLING
Moderedakteur ANNA TREVELYAN
Text CLAUDIA CROFT
Modell MOTA GARCIAS OMAHYRA bei Supreme Management Paris
Haar YUMIKO-WANDERUNG bei One Represents
Bilden JOEY CHOY bei The Wall Group
Bühnenbildner CORENTIN NOCH
Digitaler Betreiber MANON CLAVELIER
Assistenten des Fotografen CAMERON LEBENSMITTEL Und TIMOTHY-GEMEINSCHAFT
Modeassistenten LILA SOEN bei Noob Agency, AMY TA Und GEORGIEN EDWARDS
Produktion ZAC APOSTOLOU Und SONYA MASURYK
Kleidung und Accessoires überall SCHIAPARELLI SS26
