CSM MA 2026: 10 Designer, die man kennen sollte

Die London Fashion Week ist dafür bekannt, aufstrebende Talente in den Mittelpunkt zu stellen, die streng gehütete Tür zur Modebranche zu öffnen und Designer der Zukunft hervorzubringen. Eine Möglichkeit, dies zu erreichen, ist die Zuweisung eines Platzes für die Outgoing-Klasse des MA Fashion-Kurses von Central Saint Martins. Die Show, die 23 Kollektionen zeigt, die sorgfältig von den für den Kurs eingeschriebenen Studenten ausgewählt wurden, enttäuscht nie und stellt Talent und Kreativität in Hülle und Fülle zur Schau. Dieses Jahr war es nicht anders. Da Ennis Finnerty Mackay und Maxina Brewer gemeinsam mit dem L’Oréal Professionnel-Preis für junge Talente ausgezeichnet wurden, der von unserer weltweiten Chefredakteurin Sophia Neophitou-Apostolou ausgewählt wurde, waren die Gäste der Show hungrig und hungrig nach mehr. Hier sind unsere Top-Tipps für die CSM MA-Klassenkollektionen 2026, die einen bleibenden Eindruck hinterlassen haben. Bella Koopman

Ennis Finnerty Mackay – Mitgewinner des L’Oréal Professionnel Award für junge Talente

Ennis Finnerty MackaySein Hintergrund als Musterschneider und Näher legte den technischen Grundstein für eine Kollektion, die im Handwerk verwurzelt, aber voller Provokation ist. Seine Schneiderkunst und seine Korsetts demonstrierten eine feste Hand – ein Gefühl der Kontrolle –, während flüssiger Latex, der sorgfältig auf geschrumpfte Wollsilhouetten aufgetragen wurde, einen flüchtigen Kontrapunkt einführte. Unter UV-Licht trocknete der Latex wie Honig oder alter Bernstein und verhärtete sich zu steinähnlichen, dreidimensionalen Texturen, die die Oberfläche traditioneller Anzüge zerstörten. Das Latex ist so konzipiert, dass es sich mit dem Träger abnutzt. Mit der Zeit wird es dunkler, wodurch sich die Abnutzungsspuren im Kleidungsstück selbst festsetzen.

Mackay erforschte die vier Phasen der Sucht und übersetzte die Psychologie in eine materielle Sprache: Zurückhaltung in der Struktur, Euphorie in Glanz. Die Verwendung von Kondomen innerhalb des Baus – eine Reaktion auf Verschwendung, die er als queerer Mann in der queeren Gemeinschaft beobachtete – verkomplizierte die Erzählung zusätzlich und stellte Grenzen, Übermaß und Konsequenz in Frage. Was passiert, wenn etwas so Euphorisches seine Grenzen verliert? Auf dem Laufsteg war diese Spannung spürbar. Das Starre und das Elastische, das Disziplinierte und das Ekstatische existierten nebeneinander in Kleidungsstücken, die sich ebenso konzeptionell aufgeladen wie materiell einfallsreich anfühlten. Emily Phillips

Maxina Brewer – Mitgewinnerin des L’Oréal Professionnel Award für junge Talente

Für Maxina BrewerDie Sammlung begann mit dem Akt des Betrachtens – auf Musen, auf das Selbst, auf den Bruch zwischen Bewunderung und Vergleich. Von Specsavers gespendete Linsen wurden zerdrückt, rissig und zu halskrausenartigen Halsstücken zusammengeflochten, wodurch das Licht über skulpturale Silhouetten gestreut wurde. Der Effekt war schillernd und zerbrechlich, eine Verkörperung der Euphorie, die man verspürt, wenn man eine Muse nachahmt – und der Dysphorie, die folgt, wenn diese Nachahmung Unterschiede offenbart.

Brewer betrachtete Shapewear sowohl als Rüstung als auch als Einschränkung und integrierte Gürtel und Hüftpolster, um den Archetyp der weiblichen Form zu übertreiben und zu verzerren. Geleitet vom Ethos des Glitch-Feminismus und der klanglichen Härte von Breakcore wurden Kleidungsstücke auseinandergebrochen und wieder zusammengesetzt: Abstrakte Armlöcher, unterbrochene Falten und neu aufgehängte Säume stellten neu dar, wofür ein Kleid oder eine Jacke „gedacht“ ist. Es war Rebellion durch Wiederaufbau – eine Ablehnung der starren Erwartungen der Gesellschaft an den Körper von Frauen. Brewers Arbeit, die bereits von Leuten wie FKA Twigs getragen wurde, wirkte kompromisslos skulptural und dennoch intim und balancierte Verzerrung mit Verlangen. EP

Jaeyoung Bae

Jaeyoung BaeDie MA-Kollektion von s schlug eine sanftere Männlichkeit vor, die von persönlicher Geschichte und Vertreibung geprägt war. Nachdem er zwei Jahre lang den Wehrdienst in Korea absolviert hatte, ging er nach London – ein Übergang, der sein Bewusstsein für Einheitlichkeit, Gefährdung und Verletzlichkeit schärfte. Militärische Elemente blieben präsent: Schwere Trenchcoats, weite Trainingsanzüge mit praktischen Gürteln und gerippte Kummerbunde umhüllten den Körper mit ruhiger Autorität.

Doch Bae durchbrach diese Codes mit schnurartigen Ausschnitten und unerwarteten Belichtungen und schnitt Weichheit in die Struktur. Erdtöne prägten die Kollektion, während die Spannung zwischen Verborgenheit und Offenlegung den Silhouetten Humanität verlieh. Durch die Balance zwischen Disziplin und Zerbrechlichkeit offenbarte Bae eine Männlichkeit, die sich weniger performativ und persönlicher anfühlte – nicht ihrer Kraft beraubt, sondern durch Offenheit neu definiert. EP

Ich, ich, Yin

Ich, ich, YinSeine Sammlung entstand aus einer Meditation über Zugehörigkeit, die er aus seiner Heimatstadt in der Nähe von Hongkong schöpfte und gleichzeitig versuchte, deren Bildsprache zu globalisieren. Er bezog sich auf die offene Energie der lokalen Straßenfotografie und überarbeitete vertraute Kleidungsstücke – Anzüge, Poloshirts, Jeans – in etwas subtil Entfremdetes. Tüll und Netz ahmten das Aussehen von Denim nach und destabilisierten die Erwartungen an Textur und Gewicht, während die Fäden bewusst ungeschnitten blieben, sodass die Kleidungsstücke in einem Zustand des Werdens existieren konnten.

Taschen mit Fingerlöchern förderten gestische Bewegungen und luden den Träger ein, die Kleidung bequem zu tragen. Fliegenembleme, eine Anspielung auf die Fülle an Fliegen in seiner Heimatstadt, verstreuten die Stücke mit stillem Humor und Spezifität. Lebendige Farben wurden von antiquierten Zigarettenverpackungen übernommen und erinnern an die gemeinsame Zigarettenkultur von Hochzeiten und gemeinschaftlichen Zusammenkünften. Da er zuvor in Modehäusern gearbeitet hatte, ermöglichte ihm Yins technisches Geschick, diese Referenzen in zeitgenössische Silhouetten zu verfeinern. Das Ergebnis war sowohl zutiefst persönlich als auch nach außen gerichtet – eine Garderobe, in der Erinnerung, Migration und Moderne zusammenkamen. EP

Oli Clarke

Oli Clarke geht instinktiv an Design heran, baut Sets und Welten, bevor sie sie wieder tragbar macht. Er schöpft aus seiner Zeit bei seiner Arbeit am Spitalfields Market und beschafft Materialien und Objekte aus seiner Umgebung, indem er das Gefundene in etwas Modisches verwandelt. Wiederverwendete T-Shirts kollidieren mit neuen Stoffen; alte Wollhosen werden in Jacken geschnitten; Polsterung und transparente Textilien treffen in unerwarteter Harmonie aufeinander.

Sportausrüstung – insbesondere American-Football-Schulterpolster und Brustprotektoren – wurde überarbeitet, um den ansonsten weichen Silhouetten Struktur zu verleihen und so eine Spannung zwischen Schutz und Verletzlichkeit zu schaffen. Steppmäntel und siebgedruckte Slogans mit der Aufschrift „Zigaretten“ verleihen ihm neben Bildern aus seiner vielseitigen Objektsammlung eine tagebuchartige Qualität. Das Alte wird im Neuen hervorgehoben, nicht gelöscht, sondern erhöht. Clarkes Prozess mag intuitiv sein, aber das Ergebnis ist bewusst: Kleidungsstücke, die ihr früheres Leben würdigen und gleichzeitig einen neuen Sinn für ihre Bestimmung bekräftigen. EP