Anerkennung von Tom Stoppard: Der Autor hat die Komödie der Ideen neu belebt

Tom Stoppard, tot?

Sicherlich hat jemand die Handlung ausgetrickst. Ja, er war 88, aber der in Tschechien geborene britische Dramatiker, der wahre Erbe von Oscar Wilde im 20. Jahrhundert, hätte die Dinge nie so banal arrangiert.

„Ein schwerer Schlag für die Logik“, so beschreibt eine Figur den Tod eines Philosophieprofessors in Stoppards Stück „Jumpers“ aus dem Jahr 1972. Aber dann fährt dieser Universalgelehrte fort: „Für uns Philosophen, Mr. Crouch, ist die Wahrheit immer ein Zwischenurteil … Im Gegensatz zu Kriminalromanen garantiert das Leben keine Lösung; und wenn sie käme, wie würde man dann wissen, ob man sie glauben soll?“

Nur wenige Menschen waren agnostischer und lebendiger als Stoppard, der die schönen Dinge im Leben liebte und sie sich mit seinem unerschöpflichen Witz großzügig verdiente. Als Mann von vollendeter Urbanität, der wie ein Landedelmann lebte, war er ein Sportler (Cricket war sein Spiel) und ein Kenner von Ideen, die er mit der Beweglichkeit und Energie eines Cricketspielers umsetzte.

Stoppard kündigte sich mit „Rosenkrantz und Güldenstern sind tot“ an, einem absurden Witz, der „Hamlet“ aus der Schlüssellochperspektive zweier Höflinge betrachtet, die um ihre Position im neuen Regime kämpfen. Der Einfluss von Samuel Beckett war unverkennbar in der Kombination aus Varieté-Verrücktheit und existenzieller Rücksichtslosigkeit, die die Abfolge früher Stücke charakterisierte, die das Theater des Absurden mit einer aufgemotzten Version der Shavian-Farce verbanden.

Einfach war Stoppards Stil nicht. Die Fellini-artige Fülle von „Jumpers“ umfasst verfeindete Philosophieprofessoren, eine pensionierte Chanteuse und einen Chor von Akrobaten, angesiedelt im Rahmen eines Krimis, der der scharfäugigen Gesellschaftssatire von Joe Orton zu verdanken ist. „Travesties“, Stoppards Stück aus dem Jahr 1974, basiert auf dem Zufall, dass James Joyce, der Dadaist Tristan Tzara und Wladimir Lenin sich alle während des Ersten Weltkriegs in Zürich aufhielten – ein kultureller Zufall, der den Weg für eine schwindelerregende alternative Geschichte ebnete, in der Kunst gegen Politik antritt. (Kunst, keine Überraschung, gewinnt.)

Wortspiele, Aphorismen und Bonmots waren Stoppards Markenzeichen. Seit „The Importance of Being Earnest“, einem Stück, das Stoppard so verehrte, wie ein Mathematiker den elegantesten Beweis der Welt betrachten würde, hat die englische Bühne nicht mehr so ​​hochkarätige Gespräche erlebt. Dennoch erlangte er den Ruf eines Dandys, eines klugen Humoristen und intellektuellen Schaustellers, ausgesprochen unpolitisch und scheinbar ein Mann ohne Überzeugungen.

Den letzteren Vorwurf hätte er zweifellos als Kompliment aufgefasst. Er war stolz darauf, einen Geist zu haben, der nicht von Gewissheiten befleckt war. Aber er war sich der Kritik bewusst, dass sein Werk intellektuell brillant, aber emotional brüchig sei. Virtuosität in Sprache und dramatischer Struktur war seine große Stärke. Aber vielleicht auch seine Schwäche – eine Schwäche, für die viele kleinere Schriftsteller zweifellos ihre Seele verkaufen würden.

„Rosencrantz and Guildenstern“ und „Travesties“ waren in der Tat meisterhafte Manipulationen von Handlung und Sprache. Sie brachten auch frischen Wind, gewannen Tony Awards für das beste Stück und etablierten Stoppard als transatlantische Kraft. Es wäre für ihn völlig natürlich gewesen, in diesem Sinne weiterzumachen, aber sein Schreiben nahm in „The Real Thing“ eine persönlichere Wendung, einem Stück über einen Dramatiker, der sowohl lernt, über die Liebe zu schreiben als auch ihre komplexe Realität zu erfassen und zu schätzen.

Der Theaterkritiker der New York Times, Frank Rich, nannte „The Real Thing“ nicht nur „Mr. Stoppards bewegendstes Stück, sondern auch das ergreifendste Stück, das seit Jahren jemand über Liebe und Ehe geschrieben hat.“ Die Broadway-Premiere 1984 mit Jeremy Irons und Glenn Close unter der Regie von Mike Nichols gewann Tony Awards für die Hauptdarsteller, Nichols‘ Regie, Christine Baranskis Hauptdarsteller und das beste Stück. Es war Stoppards dritte Auszeichnung dieser Art und es sollte nicht seine letzte sein.

Doch die Kritik endete damit nicht. (Ist es eine Überraschung, dass Stoppard sich in „The Real Inspector Hound“, seinem Einakter von 1968, ein Szenario vorstellte, in dem ein Kritiker durch das Stück, das er rezensiert, getötet wird?) Stoppards Klugheit war zwar die Quelle seines Ruhms und Ansehens, wirkte auf einige jedoch einschüchternd und auf andere abstoßend. Nicht jeder geht ins Theater, um sich von verbalen Pyrotechniken oder waghalsigen Plots beeindrucken zu lassen. Die blendende Brillanz seiner Stücke ließ die Theaterbesucher immer noch zweifeln, ob sein Werk wirklich Herzblut hatte.

Stoppard variierte frei verschiedene dramatische Modi. (Es war diese Fähigkeit, die ihn zu einem so wertvollen Drehbuchautor und Drehbuchautor machte und ihm nicht nur Reichtum, sondern auch einen gemeinsamen Oscar für das Drehbuch „Shakespeare in Love“ einbrachte.) Aber er hatte kein Interesse daran, Charakterstudien zu schreiben. Das häusliche Drama mit seinen psychologischen Offenbarungen und sentimentalen Entschlüssen stieß ihn ab. Aber er fühlte sich auch nicht von den themenbeladenen Werken seiner eher politisch denkenden britischen Dramatikerkollegen der Nachkriegszeit angezogen, dieser neuen Generation von Dramatikern, die durch John Osbornes „Look Back in Anger“ entfesselt wurde.

Als geborener Entertainer, der keine Ideologie zu verkaufen oder bürgerliche Moral zu fördern hatte, fühlte er sich vom Theater als der aufregendsten Form der Debatte angezogen. Was er „den gelungenen Ausdruck von Ideen“ nannte, war ihm wichtiger als akademische Punkte. Sprache war eine theatralische Ressource, die mehr konnte, als nur Argumente zu gewinnen.

Die Komödie der Ideen war mit der Zeit selbsternst geworden. Stoppard war entschlossen, den Spaß wiederherzustellen, ohne die Substanz zu beeinträchtigen.

Seine erstaunliche Gelehrsamkeit ermutigte ihn, dorthin zu gehen, wohin nur wenige Dramatiker vor ihm sich gewagt hatten. Aber er war ein zu großer Sensualist, um sich in den Archiven des British Museum einzuschließen.

Wenn ich interviewt Stoppard im American Conservatory Theatre in San Francisco während der Proben für sein Stück „The Hard Problem“ erzählte mir, dass er seiner Meinung nach nie mehr als eine halbe Stunde mit Recherchen verbracht habe. Er räumte jedoch ein: „Ich habe viele, viele Tage meines Lebens damit verbracht, zum Vergnügen zu lesen, um mich über etwas zu informieren.“

Wie sonst hätte er „Die Küste der Utopie“ schaffen können, eine Kreation mit drei Stücken, in deren Mittelpunkt russische Intellektuelle, Romantiker und Revolutionäre des 19. Jahrhunderts im Kampf gegen jahrzehntelange geopolitische Unruhen stehen? Dieses Marathon-Epos brachte Stoppard seinen vierten Tony Award für das beste Stück ein.

„Arcadia“, vielleicht seine Krönung, ist vielleicht nicht so weitläufig, aber intellektuell genauso anspruchsvoll. Es ist vielleicht auch sein lyrisch berührendster Song.

„Arcadia“ ist ein literarisches und biografisches Mysterienspiel, das auf einem englischen Landsitz in zwei verschiedenen Zeitzonen spielt (eine im Zeitalter von Lord Byron, die andere in der Ära zeitgenössischer akademischer Detektive) und AS Byatts „Possession“ zu verdanken ist. (In ihrer Mammutbiografie „Tom Stoppard: A Life“ berichtet Hermine Lee, dass „Byatt gesagt hat, dass Stoppard ihr erzählt habe, dass er ihr die Handlung ‚entrissen‘ habe.“) Aber die Art und Weise, wie Stoppard so ausgefeilte mathematische Konzepte wie fraktale Geometrie einbezieht, um Konzepte von Ordnung und Chaos zu erforschen, wie die Charaktere Hypothesen über die Muster der Zeit aufstellen, ist durch und durch Stoppardianisch.

Stoppards Spätwerke sind seine persönlichsten. „Rock’n’Roll“ Das Stück, das er Vaclav Havel widmete, erforscht die rebellische, dionysische Kraft der Popmusik, eine ewige Quelle der Inspiration für ihn, in einem Stück, das teilweise im Prag der kommunistischen Ära spielt. “Leopoldstadt,” Das Werk, das Stoppard seinen fünften und letzten Tony für das beste Stück einbrachte, ist das Werk, in dem sich der Dramatiker aus künstlerischer Distanz mit der Geschichte auseinandersetzt, die er erst spät erfuhr, und darüber, was mit seiner jüdischen Familie während und nach der Machtergreifung Hitlers geschah.

„Die Erfindung der Liebe“ ist eines dieser Stoppard-Stücke, die einen Kritiker gleichermaßen verzückt und unbefriedigt zurücklassen, ein paradoxer Zustand, aber was kann man dann von einem Stück erwarten, das den Dichter, Klassiker und geheimen Homosexuellen AE Housman zum theatralischen Protagonisten macht?

Kein Stück von Stoppard kann in einer einzigen Theateraufführung vollständig gewürdigt werden. Die Dramaturgie ist zu komplex, die Intelligenz zu flink und die Sprache zu schillernd, als dass man sie sofort beurteilen könnte. Ich befürchte, dass die Stücke zu umfangreich sind für den geringeren Umfang der heutigen Theaterproduktion. Aber Stoppard hat einen theatralischen Reichtum hinterlassen, der das Publikum über Generationen hinweg durch seinen intellektuellen Überschwang, seine übernatürliche Beredsamkeit und sein Allesfresser-Vergnügen in seinen Bann ziehen wird.