Von da an wurde die Arbeit körperlich. In Douala arbeitete sie mit Kunsthandwerkern wie Constantine zusammen und entwickelte neue Ndop-Anfertigungen auf traditionellen Webstühlen. Anderswo waren die Begegnungen weniger formell, aber nicht weniger bedeutsam. „Wir trafen Paul, der die Taschen dieser Kollektion gewebt hat, als er mit seinen Kollegen am Straßenrand Möbel webte. Er war wirklich glücklich, an den beiden Bambustaschen dieser Kollektion zu arbeiten, da er nun schon seit 20 Jahren Bambusmöbel und Lampenschirme herstellt und sehen möchte, wie sie auf eine neue Art und Weise neu erfunden werden können.“
Die Art und Weise, wie sie diese Treffen erzählt, ist klar – nicht romantisiert, nicht abstrahiert. Dasselbe gilt für ihre Beschreibung eines Workshops, den ein Ehepaar zur Unterstützung junger Mütter durchführte. „Es war wirklich schön, sie kennenzulernen und zu sehen, wie sie diese Frauen unterstützen, indem sie ihnen eine Schule geben, in der ihre Kinder oben lernen können.“ Die daraus resultierenden Stücke – Perlenschmuck, Ndop-Kleidung – tragen diese Zusammenhänge still und leise mit sich.
Auf dem Regal wirkt die Sammlung kontrolliert und bedacht. Lang geschnittene Blazer aus strukturierter Baumwolle und Ndop-Einsätzen. Tuniken mit Stehkragen. Transparente Jersey- und Leinenstoffe, die eng am Körper anliegen. Die Palette – tiefe Blautöne, sonnengebleichte Weißtöne, rostige Rottöne – wirkt ruhig, nicht aufgesetzt. Es gibt Dekorationen, aber sie sind integriert: Perlenarbeiten mit Ton und Glas, in strukturierte Taschen gespaltener Bambus, zu einer wechselnden Oberfläche geschichtete Capiz-Muscheln.
Was es verankert, ist ein Gefühl der Bewegung – keine Bewegung auf dem Laufsteg, sondern ein alltäglicher Rhythmus. „In Kamerun ist mir aufgefallen, dass die Leute dazu neigen, das Erste in ihrer Garderobe anzuziehen, das zum Wetter passt, anstatt einen sehr kuratierten ‚Look‘ zu haben, wie wir es in Europa tun. Dadurch entsteht ein sehr müheloses Gefühl, wie die Männer ihre Kleidung tragen.“ Diese Beobachtung wird zu einem Rahmen: „Das führte dazu, dass ich mich ganz auf das Bild eines kleinen Jungen konzentrierte, der im Gras Fußball spielt, gegenüber dem Herrn, der in Tunika und Blazer zur Arbeit gehen wird, und wie sich ihre Garderobe langsam von einem zum anderen änderte und dennoch dieses Gefühl von Jugend und Ruhe bewahrte.“
Es herrscht eine Dualität darin – britisch und kamerunisch, maßgeschneidert und entspannt – wenn auch nicht immer bewusst. „Ich bin in London aufgewachsen und lebe dort, daher wird die Art und Weise, wie wir uns hier kleiden, immer Einfluss auf meine Arbeit haben. Mein Freund sagte mir einmal, dass die gedeckten Farben und maßgeschneiderten Silhouetten, zu denen ich tendiere, wirklich meine britische Herkunft widerspiegeln. Das war mir erst bewusst, als ich das hörte.“ Jetzt ist es bewusster. „Ich liebe es wirklich, mit der Balance zwischen meinem kamerunischen Hintergrund und meiner britischen Sensibilität zu spielen, um ein neues Bild davon zu schaffen, wer dieser Mann sein könnte.“
Dieser „Mann“ ist nicht streng definiert. „Ich sehe den Mann, aber auch die Frauen, die Huguette tragen, in ihrer Einstellung zum Leben recht frei und dennoch interessiert an der Welt, die sie umgibt.“ Es geht weniger um Archetypen, sondern mehr um die Haltung – eine Offenheit, eine Neugier.
Zurück bei Scarlett Green, als der letzte Blick vorbei war und sich der Raum beruhigte, blieb diese Neugier bestehen. Tchiapi überstürzt nicht, was als nächstes kommt. „Im Moment hoffe ich, dass die Leute die Sammlung sehen und neugierig werden, sich mit Kunsthandwerk aus der ganzen Welt auseinanderzusetzen. Ich habe vor, es vorerst ganz langsam angehen zu lassen und nächstes Jahr eine neue Sammlung zu zeigen, mit mehr Arbeiten von verschiedenen Kunsthandwerkern.“
Langsam, überlegt, gezielt – Numéro 01 versucht nicht, alles auf einmal zu erledigen. Stattdessen gibt es ein Tempo vor. Und wenn man vom Debüt ausgehen kann, hat Tchiapi es nicht eilig, es zu ändern.
Fotografie von Valdimir Kaminetsky.
